L’Iconographie chez Jean Luc Godard


Jean-Luc Godard a une fascination de l’iconographie et des modèles Hollywoodiens. Il adore en particulier ses gangsters américains qui se reflétaient dans son premier long métrage A bout de souffle/Breathless (1960).
 
La seule différence entre les gangsters de Godard et ceux à qui il rend hommage réside dans le but de leurs activités. Il est difficile après plusieurs lectures de se dire oui, on retrouve le côté Hollywoodien, sauf dans la gestuel de Belmondo quand il dégaine un pistolet, dans sa façon de mâcher ses bulbogums

   
Si la possession représente neuf dixièmes de la loi, les hors-la-loi de Godard s’intéressent à la dépossession. Dans Pierrot Le Fou (1965), qui a été récemment relancé via des restaurations numériques, ses personnages Marianne (Anna Karina) et Ferdinand aka Pierrot (Jean-Paul Belmondo) se lancent dans une aventure criminelle qui est une répudiation du matérialisme. Au début du film nous comprenons aisément que le personnage a un antipathie de la société actuelle. Il trouve la génération du « cul » comme une décadence par rapport à la Renaissance ou l’Antiquité Grecque.
 
Il s’agit d’une relecture de Bonnie et Clyde conçues comme des mini-Raskolnikov, des nihilistes philosophiques qui seraient à l’aise dans les pages d’un roman de Dostoïevski. Le monde dans lequel ils fuient est un monde dans lequel les parisiens se parlent en slogans publicitaires (même Pierrot dit au préposé d’une station-service de «mettre un tigre dans mon réservoir»). Mais Godard utilise une dialectique qui utilise la juxtaposition pour sortir de la réalité.
Alors que l’ouverture du film nous place au centre d’une maison bourgeoise, elle commence également par une conférence sur Velasquez et le numéro de téléphone de Pierrot est un échange Balzac. Pierrot dit: «Je me sens fragmenté» et plus tard «nous sommes arrivés à l’âge du double homme. Nous n’avons pas besoin de miroirs pour nous parler à nous-mêmes. »Alors que le couple s’échappe dans un monde à la Crusoé, la caméra se concentre sur Marianne alors même que Pierrot parle. Godard, qui doit son style filmique à Brecht, ne fait aucune concession à l’illusion. Pourquoi parler de Brecht? Tout simplement pour son utilisation de la distanciation. (Un effet de distanciation est un procédé utilisé dans le cadre d’une narration fictionnelle, ayant pour objectif d’interrompre le processus naturel d’identification du lecteur ou du spectateur aux personnages auxquels il est confronté. source Wikipedia)
 
 
Quand Marianne demande à Pierrot ce qu’il fait alors qu’il regarde en arrière dans une autre scène, il dit: «Je parle au public. » Le film pose une forme esthétique du concept de Joseph Schumpeter de « destruction créatrice » dans la mesure où une réinvention utopique de la langue et de la vie est un sous-texte du récit de Godard. Par exemple, Belmondo se hérisse à plusieurs reprises lorsque Marianne l’appelle Pierrot, insistant de manière répétée et comique, comme s’il ne l’avait pas dit auparavant, pour s’appeler Ferdinand. Pierrot Le Fou, est trop long et utilise des citations comme un brillant lycéen connaissant son Baudelaire. Mais elle est également brillante et Karina, dont les relations personnelles avec Godard étaient en train de se dissoudre pendant le tournage du film (elles étaient mariées mais avaient divorcé), possède le genre de beauté qui pourrait attirer un spectateur à sa place. décès.
 
Concept de la destruction créatrice :
La « destruction créatrice » désigne le processus continuellement à l’œuvre dans les économies et qui voit se produire de façon simultanée la disparition de secteurs d’activité économique conjointement à la création de nouvelles activités économiques. Source Wikepeida
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