Dans Anemone : Les racines du mensonge, Ronan Day-Lewis explore les traces invisibles laissées par le silence, entre isolement, foi et mémoire enfouie. Un film qui s’ancre dans la matière humaine, là où le passé refuse de disparaître.

Anemone : Les racines du mensonge s’inscrit dans une tradition de cinéma introspectif, où l’intime devient matière narrative. Le film s’appuie sur une construction lente, presque organique, pour explorer les conséquences d’un traumatisme et sa propagation au sein d’une cellule familiale. Porté par Daniel Day-Lewis, Sean Bean et Samantha Morton, le récit ne cherche pas à expliquer frontalement, mais à faire ressentir. Le résultat est un film exigeant, qui privilégie la sensation à la démonstration, et qui interroge la manière dont les blessures invisibles façonnent les individus et leur rapport au monde.

Ray Stroker (Daniel Day-Lewis) vit reclus depuis dix ans dans une forêt isolée, coupé du monde et de sa famille. Lorsque son frère Jem Stroker (Sean Bean) refait surface, accompagné de Nessa (Samantha Morton) et de Brian (Samuel Bottomley), les blessures enfouies ressurgissent. Ce retour forcé confronte chacun à des secrets longtemps tus, dans un face-à-face où le passé ne peut plus être évité.

Histoire d’un traumatisme et de la transmission héréditaire

Une ambiance pesante s’installe, sur un fond d’isolement et de proximité avec Dieu. La foi apparaît à la fois dévouée et fusionnelle, presque étouffante. Les plans sur les paysages dévoilent quelque chose d’irréel, comme si le monde lui-même portait la trace du traumatisme. Un héritage traverse le récit, tangible à travers les objets, les lettres, et surtout cette violence héréditaire qui ne cesse de se transmettre.

Le fils adolescent vit avec ce poids, comme une malédiction silencieuse. Cette violence héritée structure son rapport au monde. Dans leurs échanges autour du divin, Ray révèle avoir été abusé sexuellement durant l’enfance. Cette blessure devient le point d’origine, elle conditionne sa haine, son rapport à Dieu, et toute sa trajectoire. Le traumatisme ne disparaît pas, il se transforme, il se transmet, il contamine.

Ray demeure brisé. Jem, son frère, élève son neveu comme son propre fils et partage la vie de la mère. Une sensation de dépossession s’installe chez Ray, tandis que Jem considère qu’il a simplement fui ses responsabilités. Le silence domine. Ray se tait, Brian reste muet lui aussi. Chacun agit sans expliquer. La mère tente de transmettre une mémoire, évoquant la guerre entre les deux Irlande, les zones d’ombre de Ray, et ce tabou militaire où la parole est interdite. Officiellement, Ray n’a rien fait, pourtant il a fui. Ce silence devient la véritable source de destruction, il ronge Brian et fracture la famille.

Ray a vécu comme un fantôme dans une guerre qui dénature l’homme. Écrasé par un traumatisme de guerre. Une mission de reconnaissance, en apparence anodine, s’est transformée en événement destructeur. Le film cherche à comprendre cette fuite, cette incapacité à dire. Lorsque la vérité émerge, elle provoque une forme d’apocalypse, tempête de grêle, vent, chaos. Comme si le monde devait être purgé. Cette révélation mène à un affrontement physique, presque primitif, et ouvre la voie à une renaissance douloureuse. Le fils devient à son tour le prolongement des peurs du père, un égrégore façonné par le traumatisme.

Un mélange des genres entre fantastique et naturalisme extrasensoriel.

Le film évolue dans un équilibre entre fantastique et naturalisme. L’esthétique repose sur une approche sensorielle très marquée. L’ambiance sonore est travaillée avec précision, le vent, la pluie, chaque élément participe à la tension. La musique vinyle revient comme un ancrage, presque un rituel.

La spatialisation du son joue un rôle central. Elle transforme ce huis clos, donnant l’impression que la cabane s’étend au-delà de ses murs. Le spectateur voyage à l’intérieur même de cet espace, comme si le lieu respirait. Un leitmotiv musical revient sans cesse, entre post grunge et alt rock, porté par un riff de guitare et une voix féminine,rappelant la BO du premier Twilight et l’ambiance du Eyes On Fire de Blue Foundation. Cette musique accompagne chaque déplacement, chaque changement de lieu, comme une empreinte sonore du trauma.

Le fantastique s’infiltre progressivement. Les scènes allongées sont idéalisées, elles plongent les corps dans un état de fragilité, à la merci d’une force extérieure. Les cauchemars évoquent une paralysie du sommeil, avec cette figure féminine fantomatique qui flotte. Le morbide s’inscrit dans le réel, au sens de la maladie. Ces hommes vivent avec un démon intérieur qui les ronge de l’intérieur. Le fantastique ne vient pas nier le réel, il en est l’extension, une manifestation de ce qui ne peut être dit.

Comment construire un monde autour de la fuite, du mensonge et de l’isolement ?

Le film construit son univers autour de la fuite, du mensonge et de l’isolement. Ray incarne cette fuite permanente, incapable d’assumer, incapable de dire. Le mensonge n’est pas toujours explicite, il réside dans les silences, dans ce qui est tu. L’isolement devient alors une conséquence logique, chaque personnage se referme, chacun évolue dans son propre espace intérieur.

La symbolique des anémones renforce cette idée. Ce sont les fleurs que le père cultivait, belles en apparence, mais porteuses d’un sens plus trouble. Elles incarnent ce paradoxe de la nature humaine, capable de produire du beau tout en étant profondément toxique. Le père cultive une beauté qui masque une violence.

Brian grandit dans cet environnement, sans réponses. Il observe, il absorbe, mais ne comprend pas. Le monde se construit autour de non-dits, de fragments d’histoire, de récits incomplets. La mère tente de combler ces vides, mais la parole arrive trop tard, ou de manière fragmentée. Ce système crée un espace clos où la vérité circule mal.

Le film montre comment cette fuite initiale engendre un effet domino. Le mensonge protège à court terme, mais détruit sur le long terme. L’isolement devient une prison. Le fantastique, qui surgit dans la dernière partie, agit comme une brèche. Il ouvre un passage vers une forme de révélation, puis vers une possible renaissance. Une renaissance qui ne peut exister qu’en traversant la douleur, sans échappatoire.

Anemone : Les racines du mensonge de Ronan Day-Lewis est un parcours marqué par le silence, la fuite et l’héritage invisible trouve ici son point de bascule. Le film ne cherche pas à apaiser, il expose, il confronte, il oblige à regarder ce qui a été enfoui trop longtemps. À travers ses personnages brisés, il interroge la capacité à survivre à ce qui ne peut être dit, et surtout à en assumer les conséquences. Le film est beau esthétiquement et traite le traumatisme, les dégâts sur les proches avec efficacité, presque de la poésie noire. L’excursion dans le fantastique vient à la fin comme pour ouvrir la voie vers une forme de révélation puis d’une renaissance faite dans la douleur.

Un film familial

Le film naît d’un travail à deux voix entre Ronan Day-Lewis et Daniel Day-Lewis, père et fils, qui construisent le récit sans plan figé, laissant les personnages guider l’écriture au fil du temps. Cette approche organique façonne un projet profondément intime, centré sur les liens familiaux et les stigmates du passé. Le choix du casting s’impose avec évidence, Daniel Day-Lewis incarne Ray, personnage auquel il se sent lié, tandis que Sean Bean est rapidement identifié pour porter la puissance de Jem. Samantha Morton complète l’ensemble avec une présence fragile, mais déterminée, renforçant l’équilibre émotionnel du film.

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25 mars 2026 en salle | 2h 05min | Drame
De Ronan Day-Lewis | 
Par Ronan Day-Lewis, Daniel Day-Lewis
Avec Daniel Day-Lewis, Sean Bean, Samantha Morton
Titre original Anemone