Ginger Winn – Main Character Syndrome

Imaginez si Fleetwood Mac avait débuté en 1994. C’est dans cette veine que Ginger Winn trace son chemin : entre harmonies éthérées, guitares ciselées et sincérité brute. Après un premier album lumineux, elle revient avec Main Character Syndrome, un single aux allures pop rock mordantes, extrait de Freeze Frame. Portée par une voix à la fois douce et assurée, elle explore les recoins de l’âme, là où l’isolement côtoie le besoin de se relever. Enregistré sous la neige, le morceau mêle froid extérieur et feu intérieur, révélant une artiste capable de transformer l’intime en universel. (Fleetwood Mac, groupe anglo-américain formé en 1967, est célèbre pour son rock émotionnel et l’album culte Rumours (1977).

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Zach Madden Scribbledown

Dans Scribbledown, Zach Madden livre un morceau aussi personnel qu’émotionnel, enregistré et produit à Santa Barbara en collaboration avec Bruce Winter. Auteur, compositeur, musicien multi-instrumentiste et ingénieur du son, Zach Madden évolue depuis des années entre production indépendante, travail studio et créations sous divers alias (Mark Twain, State Flower). Avec ce titre, il signe une nouvelle œuvre à fleur de peau, dans la lignée de ses travaux les plus sensibles et introspectifs.

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Talking Nerves – These Cold Days

Talking Nerves, auteur-compositeur-interprète allemand, mêle vécu intime et fragments fictionnels pour toucher au plus juste. Avec une écriture à fleur de peau et des arrangements portés par une mélancolie douce, il explore cette zone sensible où les émotions prennent corps. Après un premier extrait remarqué, « Below My Feet », dévoilé en amont de son EP sorti en février 2024, l’artiste poursuit son chemin avec « These Cold Days », un nouveau titre qui confirme sa manière unique de faire vibrer l’intime sans jamais sombrer dans le pathos.

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Mary Middlefield – Summer Affair

Avec Summer Affair, la chanteuse suisse Mary Middlefield signe un nouveau coup d’éclat : un titre incandescent qui mêle sensualité, liberté et exaltation des sentiments fugaces. Entre pop indépendante et rock solaire, elle capte ce moment suspendu où l’on vit tout, intensément. Tourné en pellicule 16mm dans une atmosphère de garden party pastel, le clip célèbre l’expression de soi dans toute sa richesse. Soutenue par une production prestigieuse et une reconnaissance grandissante (BBC, Glastonbury, Spotify Artists to Watch), Mary s’impose comme l’une des voix les plus vibrantes de la scène indie actuelle.

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Jont – All Become One

Avec All Become One, Jont signe un hymne vibrant à la reconnexion, au lâcher-prise collectif et à cette vérité intérieure qu’on évite trop souvent de regarder en face. Né d’un moment suspendu pendant le confinement, ce titre a mûri en silence avant de trouver sa forme finale sur la route, là où les âmes se rencontrent. C’est à la fois une caresse et un cri, une déclaration simple dans sa forme, mais immense dans sa portée. À travers cette chanson, Jont ne livre pas seulement une mélodie, il transmet une vision : celle d’un amour qui ne connaît plus la peur, d’une humanité prête à se libérer de ses ombres pour enfin s’unir dans la lumière. Il ne s’agit pas ici de rêver le monde, mais de le sentir, de le vivre, dans chaque cellule, dans chaque silence partagé. Un morceau nécessaire, à écouter comme on embrasse quelqu’un après l’avoir longtemps attendu.

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Devons – HEALERS

Avec « HEALERS », le groupe mexicain Devons rend hommage au rôle invisible mais essentiel des musiciens dans nos vies. À travers une chanson aux accents lumineux et rétro, ils rappellent que derrière chaque moment fort — premier amour, mariage, tristesse ou victoire — il y a toujours une chanson en fond, une vibration qui accompagne, soutient, soigne. Les musiciens deviennent alors ces « guérisseurs du cœur », discrets mais présents, qui marquent nos souvenirs sans bruit. Formé par Luis Fonsur, Robert Díaz et Margott, Devons s’inspire du rock britannique pour créer un son puissant et chaleureux, à la croisée de la nostalgie et de la modernité.

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The Boheme – Always Out At Midnight

The Boheme, c’est un quatuor néerlandais formé des frères Gabriël (batterie) et Léon Huisman (chant, guitare), rejoints par Nigel de Vette (guitare) et Dex de Fijter (basse). Leur rock, brut mais jamais brouillon, puise dans l’énergie de The Jam, des Libertines ou des Arctic Monkeys, tout en gardant une signature urgente et personnelle. Leur nouveau titre « Always Out At Midnight », mixé par Barny Barnicott, amorce un virage plus affirmé vers une esthétique britannique. Un son élégant, entre chaos maîtrisé et fiction à fleur de peau.

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Meg Whalen – The Break

Meg Whalen poursuit son chemin singulier avec The Break, un titre qui marque un tournant dans sa jeune carrière de songwriter folk-rock. Révélée depuis 2018 par une série de morceaux introspectifs, elle atteint ici une forme de maturité rare, mêlant dépouillement et puissance sans jamais forcer le trait. Là où ses précédents titres laissaient entrevoir une écriture sensible, ce nouveau single s’impose comme une œuvre de pleine maîtrise émotionnelle. Écrite en hiver, dans une solitude assumée, The Break tranche avec les codes habituels du genre : pas de plainte, pas d’épanchement. Juste une mise à nu feutrée, presque désincarnée, qui en dit long sans en faire trop. Un point d’équilibre précieux dans sa discographie.

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Yunsae – Damn Good Girl : électropop rebelle et déclaration d’indépendance

Avec “Damn Good Girl”, Yunsae livre un uppercut sonore à toutes les attentes figées autour de l’identité féminine. En mêlant l’énergie brute du pop rock à l’esthétique léchée de l’électropop, elle construit une œuvre à la fois catchy et subversive. La chanson n’est pas seulement une rébellion : c’est un manifeste en forme de mélodie entêtante, une claque donnée avec style à tous ceux qui attendent qu’on se conforme. Ici, le refrain s’impose comme une devise, les guitares grincent avec panache, et chaque mot résonne comme une affirmation de soi. Le titre bouscule les structures classiques du genre pour mieux tracer une voie singulière. Une chanson pour toutes celles et ceux qui refusent d’être réduits à un rôle qu’on leur assigne.

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Goldilocks – Same Old War : affronter ses démons sans détour

Avec Same Old War, la jeune artiste Goldilocks livre un morceau viscéral, sombre et incandescent, où chaque vers semble se battre contre lui-même. Entre rock alternatif et échos emo, cette chanson n’est pas qu’un simple cri : c’est une mise à nu, un face-à-face avec soi dans le miroir brisé des émotions. On y entend les tremblements d’une âme en guerre, comme un vieux combat qui recommence à chaque réveil. Loin d’un exutoire générique, Same Old War affirme une plume personnelle, presque thérapeutique, où la mythologie côtoie l’intime, et où l’on se perd pour mieux se retrouver.

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Jordan Maye démonte le passé avec rage et panache dans « Tear It Down »

Avec « Tear It Down », la chanteuse trans et punk rocker Jordan Maye signe un hymne viscéral à la résilience. Derrière une énergie brute et des refrains scandés comme des slogans, elle transforme la douleur du cœur brisé en pulsion créative. Entre folk-punk d’intro presque trompeur et explosion rock à la Green Day ou Against Me!, elle brouille les pistes, impose son rythme, et abat les murs intérieurs sans demander la permission. C’est frontal, sincère, rageur — une déclaration de force aussi intime que collective. Ce nouveau single marque un tournant dans son parcours, une mue musicale et personnelle portée par une voix qui ne veut plus se taire.

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CATBEAR – Who Cares? : le retour électrique d’un duo sincère et sensible

CATBEAR, duo alt-pop basé à Brighton, revient avec Who Cares?, un nouveau single à l’énergie vive et aux tensions feutrées, sorti le 23 mai 2025. Entièrement autoproduit dans leur home studio, le projet porté par Zoe et Sarah conjugue sincérité brute et textures rétro, en naviguant entre pop mélancolique, indie nerveux et nappes électroniques évoquant les 80s-90s. Who Cares? s’inscrit dans cette continuité : sous sa surface électrisante se cache une chanson plus fragile, un écho lucide aux tourments modernes. Entre anxiété sociale et quête de sens, CATBEAR livre une vision intime, un miroir générationnel où se mêlent lucidité et douceur.

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KNETX – Spark : quand une étincelle suffit à tout embraser

Avec Spark, le groupe texan KNETX — à prononcer kinetics — dévoile un titre où l’énergie brute rencontre une intention claire : inspirer chacun à faire naître ses propres idées. Produit à l’été 2024 par Chris « Frenchie » Smith au Bubble Studios, ce single mêle rock alternatif, funk, soul et classic rock avec une fluidité déconcertante. On y retrouve l’ADN scénique du quintet, entre tension maîtrisée et spontanéité assumée, comme en témoigne le pont capturant une session live en studio. Sorti en indé, le morceau sera célébré sur scène au Pershing d’Austin le 30 mai, aux côtés de Trashy Annie.

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Pablo dévoile Peux-tu encore danser ?, un premier EP incandescent

Entre intensité charnelle et fragilité à fleur de peau, Pablo signe un premier EP audacieux, Peux-tu encore danser ?, où se mêlent rock brûlant, folk doux et pop émotionnelle. Un projet organique et sensoriel, miroir d’une trajectoire artistique libre, incarnée, habitée.

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Nadia Vaeh – a nOOd.

Nadia Vaeh s’impose comme une voix singulière et insoumise de la scène indépendante, fusionnant les énergies du rock, de la pop et d’un féminisme espiègle qu’elle assume avec panache. Lauréate du prix IMA “Vox Pop”, elle qualifie son univers de poptimistic-rock, un courant aussi coloré que grinçant où les refrains accrocheurs masquent des réalités parfois sombres. Marquée à 17 ans par la perte de sa mère, Nadia transforme ses blessures en moteurs créatifs, abordant la santé mentale, les tensions sociales et les paradoxes du quotidien à travers une écriture frontale, toujours vibrante. Son parcours atypique — entre poésie, cirque et engagement militant — a forgé une artiste complète, performeuse magnétique et voix forte des “inadaptés magnifiques”. Avec des titres comme nOOd, elle détourne les codes de la pop pour en faire un terrain de jeu subversif, libérateur et profondément humain.

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New Beat Fund – Valley Girls

Originaire de Los Angeles, New Beat Fund est un trio alternatif composé des frères Jeffrey et Paul LaLiberté, rejoints par Shelby Archer. Naviguant entre pop, rock indé et touches électroniques, le groupe impose une patte reconnaissable : des titres autoproduits, imprévisibles, où l’ironie et l’expérimentation sonore dominent. Leur premier album Sponge Fingerz et le single No Type leur ont ouvert les portes d’une tournée avec Blink 182 et AWOLNATION, ainsi qu’une visibilité nationale. En 2018, Chillanthropy confirme leur ascension, avec des collaborations marquantes (The Driver Era, Two Friends) et une fanbase fidèle. Depuis, New Beat Fund entame une nouvelle phase, plus minimaliste et introspective, amorcée par Look What You’ve Done, où le groupe assume des choix artistiques plus abstraits et épurés.

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LACES – I Quit for Summer

Avec I Quit for Summer, LACES — alias Jessica Vaughn, figure incontournable de l’alt-pop et véritable artisan de l’industrie musicale queer — signe un coup de maître aussi insolent qu’élégant. Connue pour ses compositions taillées sur-mesure pour des séries cultes comme Grey’s Anatomy ou Lucifer, elle revient ici avec un hymne générationnel à la fois désinvolte et chargé de lucidité. Inspirée par la scène culte d’Office Space, cette échappée pop, légère en apparence, mais redoutablement acide, résonne comme un manifeste contre la tyrannie du « métro-boulot-déprime ». Portée par une production solaire signée Dresage, cette ultime salve avant la sortie de son EP WORK en juin, sonne comme un appel vibrant à lâcher prise… ou à tout envoyer valser, un verre à la main et l’ironie en étendard.

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Slung : Thinking About It, la nostalgie slacker rock au service de l’émotion

Slung, formation venue tout droit de Brighton, fait souffler un vent de fraîcheur sur le rock slacker des années 90. Avec une insolence maîtrisée et une authenticité brûlante, le groupe tisse des morceaux où riffs incandescents, rythmiques entêtantes et voix délicieusement sucrées créent une alchimie à la fois brute et envoûtante. Leur dernier single Thinking About It illustre à merveille cette capacité à conjuguer ironie mordante et vulnérabilité touchante, sur fond de questionnements identitaires et de désirs inavoués.

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MUSKAT – Space : une ballade introspective sur le vertige du changement

MUSKAT nous envoie une belle lettre postée d’Autriche : Space. Une ballade introspective sur le changement et l’incertitude, portée par une instrumentation mêlant guitare, violon, trompette, basse et batterie. Entre folk, pop et touches classiques, le groupe poursuit l’élan de leur premier single Lovers en explorant les espoirs discrets qui naissent après chaque fin.

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JAAVA – GAME 42 – Du Rock et de la Pop

JAAVA nous emporte dans une envolée Pop électrisée par la puissance brute du Rock, le tout porté par une voix affirmée qui ne tremble jamais face à ses propres contradictions. Ce groupe chypriote, encore indépendant et sans aucun sponsor, façonne son univers à contre-courant des standards formatés. Avec GAME 4 2, ils signent une expérience sonore singulière, où l’alternative rock flirte avec des nappes lounge et des accents pop vibrants. Un cocktail détonnant qui prouve que JAAVA n’a pas fini de faire parler de lui… et surtout, de se faire entendre.

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