Notre petite pépite de ce vendredi : Seafret et son single explosif River Of Tears. Une production moderne et pleine d’ondes encourageantes ! On est pris par l’émotion de la voix de Jack.
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À l’ère où chaque pixel compte sur les réseaux sociaux, adapter ses images aux formats spécifiques d’Instagram peut s’avérer aussi complexe que de choisir le bon filtre pour son café matinal. Heureusement, le site Simple Image Resizer vient à la rescousse des créateurs de contenu en quête de perfection visuelle.
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Avec ce single, nous retrouvons nos années de lycéen, à écouter Creed et Staind dans nos vieux casques, sur un MP man remplit de chansons copiées patiemment dans notre chambre d’étudiant. Quand on avait la chance d’avoir un slot cart SD (pas micro, bien SD !!!), on pouvait faire durer le plaisir encore et encore !
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Taipella Tide est le projet indie de ChrisBy, né à New Plymouth (Taranaki, NZ) en 2011. Inspiré par la nature et les expériences de vie, il compose une musique acoustique épurée et solaire, mêlant folk, rock et indie. Nomade et sans cesse sur le départ, ses chansons et sa guitare ont voyagé dans plus de 40 pays.
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Flora Cash est un duo américano-suédois formé par Shpresa Lleshaj et Cole Randall, unis par la musique et par une histoire personnelle marquée par l’adversité. Nés loin des projecteurs, ils se rencontrent sur SoundCloud en 2012, se marient l’année suivante, et bâtissent un univers intime et profond, mêlant mélancolie pop, fragilité assumée et force émotionnelle. On ne les présente plus, leur musique parle pour eux et ce blog aime sa place de témoin dans leur mélancolie musicale.
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La chanson GOOD ONES de aedie (feat. Zane Christopher) explore la tension entre l’innocence perdue et la quête de rédemption à travers des images poignantes d’auto-sabotage et de confrontation avec la mort. Le tout sur une production bien menée et une voix puissante digne des plus grands titres de Rock. aedie façonne une folk outdoor entre Montana et rivages lointains. Sa nouvelle chanson, coécrite avec Zane Christopher et produite par Charles Dahlke (The Brazen Youth), mêle tragédie en mer et hédonisme lucide, dans un hommage tendre et désabusé.
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Avec Oscar, JoZet signe une chanson malicieusement construite autour d’un double sens savoureux. D’un côté, elle décline en forme de liste les tentatives – parfois absurdes, souvent touchantes – pour séduire un certain Oscar. De l’autre, elle convoque avec humour l’imaginaire des récompenses hollywoodiennes et la course effrénée à la reconnaissance artistique. La plume est vive, pleine d’autodérision et de tendresse, jonglant habilement entre confession intime et satire douce. Le refrain, entêtant et sincère, fait résonner cette ambivalence : Oscar devient à la fois icône, amant fantasmé, et projection de tous les rêves de gloire et d’amour.
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Eighteen Rabbit propose un univers qui séduira les nostalgiques de Staind et Creed, ce rock alternatif aux couleurs magnétiques, où chaque riff nous emporte dans les nuances de notre propre expérience de la vie et de l’amour.
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On se souvient tous de cette scène mythique où Peter Parker, à bout de forces, est suspendu dans le vide entre deux wagons de métro, les bras en croix, retenant de toutes ses forces la vie d’inconnus lancés à pleine vitesse. Son masque à moitié arraché, son humanité à nu, il est soutenu par la foule new-yorkaise qui, l’espace d’un instant, devient elle aussi héroïque. C’est cette idée précise que Martin Mabrut saisit avec finesse dans sa chanson Peter Parker : celle d’un héros ordinaire, dépassé, usé, mais porté par les autres. À travers un texte à la fois touchant et lucide, il explore le poids des obligations qui écrasent parfois ceux qui veulent simplement bien faire — et l’espoir ténu qu’à deux, ou à mille, on peut encore soulever des ponts.
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David Alpine nous surprend par la douceur et fragilité des arrangements, mais son texte est plus lourd qu’on ne le pense. Profond et ancré dans le manque.
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Someone, extrait de Songs for a Dupont Café, incarne la sincérité brute de cet album maison enregistré en 2002. Porté par les riffs délicats de Hughes et les paroles sensibles de Dixon, le titre mêle douceur, solitude et espoir, dans une quête d’amour simple et vrai. Avis aux amateurs de Rock et de Folk, Hughes & Dixon arrivent.
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Avec Ma p’tite montagne, Yann livre une complainte douce-amère, une lettre d’amour blessée à ce coin de nature qui l’a vu grandir. Autrefois refuge paisible et sauvage, sa montagne s’est muée en produit marketing, sacrifiée sur l’autel du tourisme de masse et du progrès sans âme.
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Thelma fait chambre à part. A L’institut, Gaëtan veut relancer un projet. Clotilde demande un coup de pouce à Antoine..
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Toxic est un film percutant qui explore les défis de l’adolescence à travers le prisme de l’image corporelle et des standards de beauté imposés par la société. Premier long-métrage de Saulė Bliuvaitė, cette œuvre profondément ancrée dans son vécu intime s’appuie sur ses souvenirs d’adolescente et son intérêt pour le corps féminin en mutation. À travers le regard de jeunes filles de 13 ans, le film dresse un portrait juste et émouvant de cette période charnière où l’innocence se confronte déjà à des injonctions sociales parfois écrasantes. Toxic questionne ainsi la manière dont les adolescentes perçoivent leur image et sont perçues, dans un monde où le corps des jeunes filles devient trop tôt une marchandise.
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Esperanza célèbre la dignité des gens de la terre, mêlant prière et gratitude. Le texte répète en boucle l’élan vital : marcher, aimer, rêver. Écrit comme une incantation poétique, il tisse mémoire ancestrale et foi, en une ode lumineuse à l’espérance.
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Le 23 avril 2025, le documentaire Un Médecin pour la Paix, réalisé par Tal Barda, fera son arrivée dans les salles de cinéma. Ce film bouleversant raconte l’histoire d’Izzeldin Abuelaish, un médecin palestinien devenu un symbole de paix et de réconciliation après avoir perdu trois de ses filles et une nièce lors d’un bombardement en 2009. Le Dr. Abuelaish, qui a travaillé dans un hôpital israélien, a choisi de transformer sa douleur en un message universel de tolérance et d’espoir. Une histoire poignante, empreinte de courage et de résilience, qui met en lumière un homme qui, malgré la tragédie, n’a cessé de prôner la paix.
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Le Village aux portes du paradis, premier long-métrage du réalisateur somalo-autrichien Mo Harawe, plonge dans l’intimité d’une famille fragile du désert somalien. Mamargade, père célibataire, multiplie les petits boulots pour élever son fils Cigaal, tandis que sa sœur Araweelo, récemment divorcée, rejoint leur foyer. Dans un pays ravagé par la guerre civile et les catastrophes naturelles, leur quotidien oscille entre résilience et désillusion, offrant une plongée brute dans les réalités socio-politiques de la Somalie.
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Confrontée par Olivia, Thelma vide son sac. À la coloc, Jasmine et Milan tentent de recadrer Tom dans son retour dans le monde du célibat. Pour distraire Constance, Teyssier transforme la maison…
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La chanson de My Turning Point, The Eulogy exprime avec intensité la complexité des liens forgés dans la douleur.
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An Early Bird & &Tilly se rejoignent sur un single indie folk, mêlant la plume sensible de Stefano à la voix envoûtante de &Tilly. Leur chanson The Way We Know illustre l’amour sous toutes ses facettes, entre douceur et tensions, rêves et réalités. Produite par Gavin Monaghan, cette collaboration donne naissance à une ballade sincère et immersive, portée par des instruments acoustiques et une émotion brute. On a beaucoup pensé à la première écoute aux différentes ballades du début des années 2000 proposées par des groupes comme Secondhand Serenade, Midnight Hour ou encore le tube Hey there it’s Delilah.
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Avec Cecelia, Tea Eater trace son sillon dans un rock tourmenté et déjanté, où l’énergie brute se conjugue à une ironie mordante. Mené par Tarra Thiessen, le groupe new-yorkais insuffle à ses compositions une tension presque théâtrale, oscillant entre chaos contrôlé et mélodies entêtantes. Ce nouveau titre, extrait de leur album I Don’t Believe in Bad Luck, illustre parfaitement cette dualité : un riff nerveux, une rythmique explosive et une voix qui alterne entre fureur et détachement cynique. On y retrouve ce goût du storytelling acide, où le personnage de Cecelia devient le point focal d’une réflexion sur les projections et les non-dits des relations humaines.
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