Dans Confidente, Saadet Işıl Aksoy incarne une opératrice de hotline confrontée à une urgence vitale en pleine nuit. Thriller psychologique intense signé Çağla Zencirci et Guillaume Giovanetti, le film interroge le désir, la parole féminine et la résilience dans la Turquie des années 90.
Au cœur de la forêt amazonienne, Rebecca, adolescente « miraculée », devient malgré elle l’emblème d’une mission évangélique. Transamazonia mêle foi, politique et manipulation, dans un récit dense où l’innocence affronte la machinerie spirituelle. Une plongée troublante et mystique.
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Kristófer, 73 ans, part à la recherche de Miko, son amour de jeunesse, perdu depuis 50 ans. Un voyage sensible entre souvenirs et silences, dans un film émouvant et pudique de Baltasar Kormákur, porté par une mise en scène intime et deux comédiens bouleversants.
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Elias et Anita s’aiment, mais la vie les éloigne. Des années plus tard, une mission scientifique sous-marine bouleverse Elias : une faille révèle les regrets d’une vie. ETERNAL transforme une histoire d’amour en odyssée intime, entre drame familial et science-fiction mystique.
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The Things You Kill nous plonge dans les racines d’une douleur familiale que l’on tente de fuir sans jamais y échapper totalement. Réalisé par Alireza Khatami, ce drame troublant ancré en Turquie mêle quête identitaire, conflit générationnel et souffle fantastique. Avec une mise en scène audacieuse, un duo d’acteurs intense et une symbolique subtile, le film interroge notre héritage émotionnel et la violence invisible qui se transmet de père en fils.
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Avec SLOW, la réalisatrice Marija Kavtaradze nous offre une histoire d’amour à contretemps, où la sensualité s’efface devant l’intimité émotionnelle. Dans une époque qui érige la passion fulgurante en norme relationnelle, ce film ose ralentir, contempler, respirer. On y parle de désir, d’absence de désir, de la peur d’être incompris ou de blesser. Une œuvre rare, pudique et puissante, qui questionne nos manières d’aimer, de nous attacher et de nous révéler, sans jamais céder à la tentation du spectaculaire.
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KOUTÉ VWA, premier long-métrage de Maxime Jean-Baptiste, résonne comme une cérémonie intime et politique. Ce film essentiel donne voix à une jeunesse oubliée, en proie à des tensions sociales et familiales qui déchirent encore les DOM. À travers le regard de Melrick, adolescent en quête de sens, le film convoque les fantômes du passé pour mieux interroger l’avenir. Entre douleur intime et mémoire collective, il tisse une œuvre puissante, incarnée, portée par des acteurs non professionnels liés de près à la tragédie évoquée. KOUTÉ VWA n’est pas seulement un hommage : c’est une tentative de réconciliation, une marche silencieuse pour que l’histoire n’éteigne pas l’espérance d’une Guyane rassemblée derrière le tambour, symbole de mémoire, de colère, et d’apaisement.
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Reflet dans un diamant mort est un hommage à une époque et aux Eurospy. C’est un collage hypnotique de références, un jeu de miroirs fragmentés où la mémoire décline et la réalité vacille. Le film brille par son esthétique kaléidoscopique, entre illusions d’Op Art, écriture stéréoscopique à la Satoshi Kon et mélancolie cinéphile. Fabio Testi incarne un passé décomposé, tandis que la Côte d’Azur devient le théâtre de toutes les perceptions. Un objet sensoriel rare, entre hommage et hallucination.
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En 1975, Vera Brandes n’a que 18 ans lorsqu’elle parvient à organiser un concert de Keith Jarrett à l’Opéra de Cologne, donnant naissance à l’album de piano solo le plus vendu de l’histoire : The Köln Concert. Mais derrière cette réussite légendaire se cache le combat d’une jeune femme pour imposer sa vision artistique dans un monde dominé par l’autorité parentale, les institutions rigides et le mépris des métiers de passion. Au rythme de Vera est un hommage vibrant à celles et ceux que l’on n’attendait pas, et qui pourtant changent l’histoire. Une plongée dans l’âme de la création, entre urgence, sincérité et révolte douce.
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On attendait peu de Sous Hypnose, vendu comme un huis clos conjugal perturbé par une séance d’hypnothérapie. Une sorte de vaudeville nordique version start-up, pourquoi pas… Et pourtant, cette comédie dramatique suédo-norvégienne signée Ernst de Geer dépasse largement les clichés du couple en crise ou des paillettes de la tech. Avec finesse, elle déplie la cartographie invisible de nos relations humaines : les conventions sociales, la peur du jugement, l’obsession de la réussite, le besoin de validation. Le film ose même poser une question peu flatteuse : que reste-t-il de nous, une fois les filtres sociaux désactivés ? Et que deviennent nos amours quand ils reposaient sur des mirages de conformité ?
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LILJA INGOLFSDOTTIR arrive à nous emporter dans une histoire ordinaire et universelle. Loveable est le délitement d’une relation, où chacun plante les graines qui mènent à la rupture.
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Peacock, réalisé par Bernhard Wenger, nous plonge dans l’intimité d’un homme qui loue sa présence à ceux qui cherchent à combler un vide social ou à simuler une normalité factice. En explorant les dérives d’un métier fondé sur l’artifice émotionnel, le film touche au cœur de notre époque : celle où l’on confond authenticité et performance relationnelle, jusqu’à s’y perdre.
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À travers le prisme de ses anciennes amours, la cinéaste Chloé Barreau explore la mémoire, le romantisme, l’idéalisation et les blessures du cœur. Un voyage émotionnel tout en pudeur et en vérité, qui interroge : que reste-t-il quand l’amour s’en va, mais que les souvenirs persistent ?
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Le 28 mai 2025, le thriller L’Ultime Braquage signé Frederik Louis Hviid débarque dans les salles françaises. Produit par Zentropa Entertainments et Kazak Productions, distribué par KMBO, ce long-métrage danois nous offre bien plus qu’un simple film de casse. Avec Gustav Giese dans le rôle du protagoniste et Reda Kateb dans celui de l’antagoniste, le film explore la psyché d’hommes au bord du gouffre, où chaque décision sonne comme un verdict. Préparez-vous à une plongée suffocante dans les zones grises de la morale, loin des artifices spectaculaires du genre.
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Avec Les Maudites, Pedro Martín-Calero signe un film d’horreur aussi viscéral qu’élégant, où la malédiction héréditaire trouve un nouveau souffle. Ici, pas de spectres sortis d’un vieux manoir décrépit, mais des maux ancrés dans la chair et le sang de plusieurs générations de femmes. Une histoire portée par un casting féminin à la hauteur des enjeux : Ester Expósito brille, mais ce sont Mathilde Ollivier et Malena Villa qui créent la vraie surprise, imposant une intensité dramatique rare. Entre modernité technologique et terreur ancestrale, ce récit explore ces douleurs que l’on transmet en silence, et qui finissent toujours par resurgir.
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À travers Small Things Like These, Tim Mielants nous invite à plonger au cœur d’une Irlande gangrenée par l’omerta sociale et morale des années 1980. Avec la pudeur et la gravité que requiert son sujet, il capte l’essence silencieuse d’une époque où chacun devait choisir entre la tranquillité de l’aveuglement et la déchirure de la vérité. Adaptant le roman envoûtant de Claire Keegan, et porté par un Cillian Murphy habité, le film devient un tableau vivant, où chaque regard, chaque silence, pèse autant que les mots tus. Ici, tout est geste juste, tout est murmure assourdissant. Un cinéma qui ne clame pas, mais qui imprime.
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Avec Ce Nouvel An qui n’est jamais arrivé, Bogdan Mureşanu revisite avec une ironie tragi-comique un pan décisif de l’histoire roumaine : la chute du régime Ceaușescu. Le cinéaste, nourri par son appétit d’Histoire et une mémoire d’enfant témoin de cette révolution, propose un kaléidoscope humain où l’absurde et l’espoir s’entrelacent. En adoptant une structure chorale, portée par la montée inexorable du Boléro de Ravel et un réalisme à la Dogme danois, Bogdan Mureşanu orchestre, tel un chef d’orchestre discret, mais implacable, une fresque au format 4:3 étouffant, capturant l’instant suspendu entre servitude et liberté naissante. Le film ne prétend pas réécrire l’Histoire ; il invite à revivre ce basculement, dans toute son humanité brute, à hauteur d’homme.
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Il y a des films qui ne racontent pas simplement une histoire, mais qui en ressuscitent les échos, les silences, les empreintes laissées dans la chair du monde. La Chambre de Mariana est de ceux-là. Emmanuel Finkiel filme ici la guerre non pas à travers le fracas des armes, mais par le prisme de ceux qui survivent en silence. Une vie dans une cache, pour fuir les nazis. Un enfant juif, bourgeois, fils à sa mère, dissimulé dans une armoire, convaincu qu’elle le suivra partout. Ce lien invisible, indestructible, c’est ce qu’on appelle l’attachement. Mariana, prostituée ukrainienne, en devient la gardienne. Mélanie Thierry, elle, en incarne l’âme — et livre une performance rare. Le temps passe sans nous, dit le film, et c’est un enfant qui nous le montre : témoin invisible de l’Histoire de son pays, de la disparition des siens, et d’une transformation intérieure qui le fera passer brutalement du côté des adultes.
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Avec La Légende d’Ochi, Isaiah Saxon signe un premier long métrage d’une étonnante maturité visuelle, entre réalisme organique et rêverie païenne. On y suit Yuri, jeune fille insoumise, qui découvre un bébé Ochi – être mythique craint par son village – et entreprend de le ramener à sa meute. Le récit, limpide mais dense, tisse une odyssée intérieure où la frontière entre humanité et animalité devient poreuse.
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Le Clan des bêtes de Christopher Andrews plonge dans les landes sauvages de l’Irlande rurale, où un conflit ancestral entre bergers dégénère en spirale de violence. Porté par Christopher Abbott (Michael) et Barry Keoghan (Jack), le film explore les fractures d’une communauté emprisonnée dans des codes toxiques de masculinité, sous l’œil d’un réalisateur inspiré par son vécu familial dans une Irlande divisée.
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Lettres siciliennes de Fabio Grassadonia et Antonio Piazza plonge dans les méandres de la mafia sicilienne à travers une correspondance toxique entre Catello, un politicien disgracié, et Matteo, son filleul devenu parrain en cavale. Inspiré de la traque réelle de Matteo Messina Denaro, le film explore les liens organiques entre crime organisé et pouvoir politique, mêlant réalisme noir et dialogues incisifs ponctués de références bibliques. Loin des clichés du thriller violent, il dépeint l’univers clos des clans familiaux, où la trahison se niche dans les silences et les pizzini.
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