Avec Send Help, Sam Raimi revient au thriller psychologique teinté d’humour noir, en mettant en scène un huis clos à ciel ouvert où deux collègues survivent à un crash aérien. Une situation extrême qui révèle moins la nature que les failles humaines.

Linda Liddle et Bradley Preston sont collègues dans un cabinet de conseil. Elle, cadre compétente mais sous-estimée, marginalisée par une hiérarchie masculine. Lui, nouveau dirigeant arrogant, héritier d’un pouvoir qu’il n’a pas construit. Un crash d’avion les laisse seuls survivants sur une île déserte. Dès lors, la survie impose une cohabitation forcée, mais surtout une confrontation frontale entre deux visions du monde. Linda possède des compétences concrètes, une culture de la débrouille, une capacité d’adaptation forgée dans l’ombre. Bradley, habitué aux codes sociaux et à l’autorité symbolique, se retrouve privé de ses repères. Le film s’articule autour de cette opposition, nourrie par un passé professionnel conflictuel, qui transforme la survie en un affrontement psychologique où chaque décision devient un acte de pouvoir.

Un renversement des dynamiques sociales

Le cœur de Send Help repose sur une idée simple mais redoutablement efficace : le pouvoir n’existe que dans un cadre donné. En milieu professionnel, Bradley domine par statut, langage et intimidation sociale. Linda, malgré ses compétences, reste invisible, coincée dans une hiérarchie qui ne valorise ni son travail ni sa singularité. L’île agit alors comme un révélateur brutal. En supprimant les structures artificielles, le film expose la fragilité d’un pouvoir fondé sur le symbole plutôt que sur l’utilité réelle.

Sam Raimi met en scène cette bascule avec une précision presque clinique. Chaque geste, chaque décision liée à la survie redessine la hiérarchie. Linda devient progressivement celle qui sait, qui agit, qui anticipe. Bradley, lui, s’accroche désespérément à des réflexes d’autorité qui n’ont plus aucun sens. Cette inversion n’est jamais traitée comme une simple revanche sociale. Elle dérange, car Linda n’est pas idéalisée. À mesure qu’elle prend le contrôle, une ambiguïté morale s’installe. Le film questionne alors la frontière entre légitimité et abus, compétence et domination. Le pouvoir change de camp, mais reste une force corrosive. Send Help ne propose pas une lecture manichéenne, mais observe comment un système, même renversé, peut produire de nouvelles formes de violence.

Quand le Naturel reprend sa place

Ici, le basculement ne s’opère pas uniquement par le choc du crash, mais par l’effondrement méthodique d’un ordre social artificiel. Tout commence bien avant l’île, dans une injustice précise, presque administrative. Linda Liddle n’est pas seulement sous-estimée, elle est trahie. Une promotion promise, repoussée, puis confisquée par un héritier du pouvoir managérial, plus soucieux de symboles que de compétences. Le film inscrit clairement sa critique dans la satire du monde corporate, de ses hiérarchies masculines, de son langage creux et de ses mécanismes d’exclusion feutrés. Lorsque l’avion s’écrase, ce n’est pas seulement une trajectoire qui s’interrompt, c’est un système entier qui se dissout. L’île devient alors un révélateur brutal. Ce qui faisait autorité n’a plus de valeur, et ce qui était perçu comme marginal, presque ridicule, devient vital. La culture de la survie de Linda, son goût pour l’observation, sa capacité à faire avec le réel, prennent soudain un poids concret. Cette crédibilité repose aussi sur un réalisme rigoureux des gestes de survie, eau, feu, abri, nourriture, filmés sans tricher, afin que chaque action paraisse possible, tangible et immédiatement lisible. Le pouvoir ne se proclame plus, il se pratique. Et cette transition, loin d’être héroïsée, est montrée comme une nécessité froide, presque mécanique.

Mais lorsque le naturel reprend sa place, il ne rétablit pas un équilibre apaisé. Il révèle une autre forme de violence. Le film insiste sur la matérialité de cette transformation, jusque dans les corps. Les costumes se délitent, la peau marque, la fatigue s’inscrit sur les visages. Linda se fond peu à peu dans l’environnement, gagne en assurance à mesure qu’elle s’émancipe des codes sociaux, tandis que Bradley, privé de ses attributs symboliques, se désagrège physiquement et psychologiquement. Cette inversion visuelle accompagne une bascule morale plus troublante. La violence n’est jamais spectaculaire ni cathartique. Elle est sale, chaotique, animale. Les affrontements ressemblent davantage à des luttes de survie qu’à des scènes d’action héroïques. Derrière l’humour noir, une mélancolie sourde s’installe. Le film rappelle que les monstres ne naissent pas, ils sont fabriqués par des systèmes qui broient, ignorent, humilient. L’île, pensée comme un véritable troisième personnage, ne sauve personne. Elle expose. Elle force les masques à tomber, jusqu’à rendre le spectateur lui-même inconfortable dans ses choix d’empathie. Sam Raimi joue volontairement avec cette perte de repères, perd le public pour mieux le confronter à une question simple et dérangeante : une fois les règles abolies, que reste-t-il vraiment de nos valeurs ?

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Un duo d’acteurs explosif et un art de la mise en scène au service de l’action et de la tension

La réussite du film tient largement à l’affrontement entre Rachel McAdams et Dylan O’Brien. Le dispositif repose sur eux presque exclusivement, et Sam Raimi exploite cette contrainte comme un moteur dramatique. Rachel McAdams compose une Linda en mutation constante. D’abord effacée, presque maladroite, elle gagne en assurance à mesure que le cadre social s’effondre. Sa transformation n’est jamais démonstrative. Elle passe par des détails, des silences, des choix pratiques qui prennent peu à peu une dimension inquiétante.

Face à elle, Dylan O’Brien incarne un Bradley dont l’arrogance masque une insécurité profonde. Le réalisateur évite le piège du simple antagoniste. Bradley n’est pas un monstre, mais un produit de son environnement. Lorsque celui-ci disparaît, il se délite physiquement et psychologiquement. Cette dégradation progressive nourrit autant la tension que l’humour noir du film.

La mise en scène est au cœur du dispositif. Le maitre du genre déploie une grammaire visuelle fluide, précise, où chaque mouvement de caméra accompagne la montée des tensions. Les scènes d’action, qu’il s’agisse du crash, des affrontements physiques ou des moments de survie, sont chorégraphiées avec une lisibilité exemplaire. L’île devient un espace mental autant que physique, filmée comme un terrain de jeu cruel où chaque recoin peut basculer vers l’horreur ou le burlesque. L’action n’est jamais gratuite, elle sert toujours la dynamique du duo, renforcée par une direction artistique millimétrée et une musique de Danny Elfman qui accentue cette oscillation permanente entre menace et ironie.

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Sam Raimi prouve une fois de plus sa maitrise totale des mouvements de caméra fluide, des scènes d’action, de l’humour et des tensions à mi-chemin entre l’horreur et le thriller.
Rachel McAdams et Dylan O’Brien s’affrontent sous nos yeux. Même si la majorité des événements sont prévisibles, la puissance du réalisateur est d’offrir toujours un peu plus avec finesse et une DA chorégraphiée aux millimètres.

Credit photo Send Help: Rachel McAdams, Dylan O’Brien © Copyright 2025 20th Century Studios. All Rights Reserved.

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11 février 2026 en salle | 1h 54min | Comédie, Epouvante-horreur, Thriller
De Sam Raimi | 
Par Mark Swift, Damian Shannon
Avec Rachel McAdams, Dylan O’Brien, Edyll Ismail