À ceux qui sèment de Cédric Moulié est un hymne à l’âme et à la lenteur, un chant d’apaisement et de lucidité, porté par des paroles poétiques à la frontière du slam et de la chanson.

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Cédric Moulié signe avec À ceux qui sèment une chanson hors du temps, un chant de lumière intérieure. À travers une succession d’images sensibles, il invite l’auditeur à ralentir, à ressentir, à se reconnecter à ce qu’il a peut-être enfoui. Plus qu’un message, c’est une offrande.

Il se dégage de nos écoutes une filiation musicale discrète mais assumée. Par moments, la prosodie évoque Damien Saez, dans cette façon de marteler des images à vif, de faire jaillir des éclats d’âme au détour d’un vers. Certains élans rappellent aussi Raphaël (Ne partons pas fâchés), pour la fragilité mélodique, ou Noir Désir, pour la densité du souffle et l’intensité des silences. Sans jamais singer, Cédric Moulié tisse un équilibre singulier entre force du verbe et pudeur de l’émotion. La mélancolie, omniprésente, n’est pas là pour accabler, mais pour révéler : elle s’infiltre, elle enveloppe, elle murmure ce qu’on n’ose pas toujours formuler. C’est une mélancolie vivante, qui nous tend un miroir et nous invite à y plonger sans crainte.

Un artiste entre scène, studio et soin

Cédric Moulié est un musicien complet dont le parcours mêle exigence classique, chansons à texte, projets scéniques et accompagnement par la musique. Passé par le théâtre, les Zéniths, les cabarets et les studios, il incarne une approche artisanale et incarnée de la création musicale. Influencé par la chanson française, le slam, les musiques actuelles et la poésie, il a construit une œuvre cohérente, profondément connectée à la lenteur et à la densité émotionnelle. À ceux qui sèment s’inscrit dans cette ligne : un chant né d’un silence habité, d’un regard lucide et tendre sur la condition humaine. La chanson s’ancre dans le projet global de l’album De mon âme à la tienne, pensé comme un chemin sensible, où les mots et les sons accompagnent une transformation, un retour à soi, au lien et à l’autre. Le choix du titre, enfin, évoque ceux qui cultivent en secret, qui espèrent sans bruit, qui œuvrent sans forcément récolter. Une figure discrète, essentielle, profondément humaine.

Dans ce single, la parole prend la forme d’un tissage poétique, alternant contemplation et secousse. Plutôt que de nommer frontalement les émotions, Cédric Moulié les suggère par une suite d’évocations puissantes. Loin du schéma couplet-refrain, la chanson déroule une litanie d’images contrastées : lumière, cendres, enfance, suie, flamme… Ces figures dessinent un arc émotionnel allant de la douleur à la révélation. Le sentiment de perte, l’errance, les cicatrices intérieures ne sont pas niés, au contraire, ils forment la matière première du morceau. Mais cette matière est travaillée, sublimée. Par l’acceptation de la vulnérabilité, l’artiste ouvre un passage vers une autre manière d’habiter le monde. C’est dans cette dynamique que les émotions deviennent révélatrices : non pas un déferlement incontrôlé, mais une traversée éclairante. Le choix du champ lexical – poèmes solitaires, errances, flammes, âmes – crée un espace symbolique où chacun peut projeter ses propres résonances. Rien de démonstratif, tout se joue dans la justesse de l’élan et la précision du regard. Ici, l’image comme outil de transmutation, mais la chanson apparait aussi comme une forme de bilan, une prière sur nos ratés et nos moments précieux, car carburant aux petits bonheurs qui font de nous des gens vivants !

Une offrande vers l’autre, sans illusion

Le second versant du morceau pousse plus loin l’idée d’un apaisement possible. Les émotions, même les plus sombres, ne sont pas présentées comme un poids figé, mais comme une matière vivante qui appelle le lien. Cédric Moulié opte pour une approche généreuse, adressée : il y a toujours un « tu » ou un « nous », une recherche de communion, même dans le silence. Le vers à ceux qui sèment agit comme un refrain intérieur, une ancre invisible pour celles et ceux qui cherchent du sens. Loin d’un message figé, la chanson propose une prise de conscience douce, non spectaculaire, mais profondément transformatrice. C’est une révélation, oui, mais sans illusion. Elle ne promet pas un salut, elle accueille simplement ce qui est là, dans sa complexité. L’usage de la forme parlée-chantée participe de cette tension : entre la distance du récit et l’intensité de la confession. Ce qui frappe, c’est la manière dont la chanson construit un espace sûr où le trouble peut exister, où l’âme peut se dire sans être jugée. Une forme de spiritualité discrète s’en dégage, presque méditative, où le mystère de l’humain reste entier, mais accepté.

La chanson se termine sur une répétition du mot Dieu, ce n’est pas anodin ! La chanson laisse entrevoir la foi non comme une certitude, mais comme une espérance discrète. L’évocation d’un « dieu » ou des « Cieux » n’impose aucune doctrine, elle traduit plutôt un besoin humain : croire que nos élans, nos douleurs, nos vœux intérieurs ont une résonance au‑delà de nous. Ce n’est pas tant une prière qu’un espoir, celui que nos gestes, même invisibles, ne soient pas vains, que notre solitude trouve un écho. Il ne s’agit pas de chercher un salut, mais un sens, une présence dans l’absence. La spiritualité ici devient un fil ténu entre les êtres, une manière de croire que le silence, lui aussi, peut contenir une réponse.

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L’album est disponible depuis le 23 janvier 2026, c’est l’occasion de prolonger l’introspection ! On comprend alors que cette chanson est une forme de synthèse de l’album, — des titres font des échos comme Ce que l’on s’aime, mélodiquement on retrouve un peu de familiarité —, même si la production a une orchestration plus riche. Côté Rock, L’amorce des paradoxes est la surprise de l’album !