Relecture sombre et tendue d’un classique de Nirvana, Polly par deadwater transforme une parole glaçante en expérience intérieure. Entre retenue émotionnelle et tension sourde, la chanson interroge la manière dont on affronte ses propres zones d’ombre, sans jamais les nommer frontalement.

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Avec Polly, deadwater s’attaque à une matière déjà lourde de sens, mais choisit une approche moins frontale, plus intériorisée. La chanson invite à prendre du recul face aux émotions troubles, à observer ce qui se joue derrière les mots, les silences et les répétitions. Sans chercher à choquer, l’artiste installe un climat de malaise feutré, où la violence n’est jamais spectaculaire mais diffuse, presque mentale. Cette reprise devient alors un espace de réflexion sur la conscience, la responsabilité et la manière dont certaines paroles traduisent des mécanismes intimes difficiles à nommer.

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deadwater s’inscrit dans une filiation claire avec le grunge et l’alternative des années 90, mais sans mimétisme. Originaire de Virginie, le projet développe une esthétique de tension contenue, faite de guitares épaisses, de rythmiques pesantes et d’une voix qui privilégie la retenue à l’explosion. L’influence de Nirvana est assumée, mais filtrée par une sensibilité contemporaine, plus sombre et plus contrôlée. Là où l’original jouait sur un contraste brutal entre innocence apparente et horreur sous-jacente, le groupe accentue la sensation d’étouffement intérieur. Le tempo légèrement plus appuyé et la texture sonore plus dense donnent à Polly une dimension presque hypnotique. Cette approche s’inscrit dans une tradition moderne du garage grunge, où l’émotion passe par la répétition, la pesanteur et une forme de lucidité désabusée. L’artiste ne cherche pas à moderniser pour séduire, mais à réinterpréter pour faire ressentir autrement, en laissant l’auditeur face à ses propres zones de malaise.

La force de cette version repose sur la manière dont les paroles sont traitées comme des fragments de conscience plutôt que comme un récit linéaire. Les images reviennent, se répètent, se déforment, créant une impression d’enfermement mental. deadwater ne cherche pas à expliquer ni à illustrer, mais à laisser résonner une parole dérangeante, presque mécanique. Ce choix pousse l’auditeur à prendre du recul, à écouter ce qui se cache derrière la répétition, derrière la froideur apparente. Les émotions ne sont pas exprimées de façon expansive, mais contenues, comprimées, ce qui renforce leur impact. La chanson devient ainsi un espace où la tension morale et émotionnelle s’accumule lentement, jusqu’à provoquer une forme de malaise lucide. On n’assiste pas à une libération, mais à une confrontation intérieure, où la prise de conscience naît du refus de détourner le regard.

Dans cette lecture, les émotions ne mènent pas à une catharsis immédiate, mais à une compréhension progressive, parfois inconfortable. deadwater exploite la répétition comme un outil psychologique, presque obsessionnel, qui mime les boucles mentales liées à la culpabilité, au contrôle ou à la dissociation. Les paroles, volontairement dépouillées, laissent place à une interprétation ouverte, où chacun projette son propre seuil de tolérance face à ce qui dérange. La révélation n’est donc ni totale ni définitive, elle dépend du contexte émotionnel de l’auditeur. Pour certains, elle peut provoquer une prise de conscience durable, pour d’autres un simple trouble passager. C’est précisément cette ambiguïté qui fait la force du morceau. En refusant toute morale explicite, la chanson transforme l’écoute en expérience intérieure, où l’acceptation des émotions passe par leur observation froide, presque clinique, mais profondément humaine.

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