Une chanson qui explore le vertige émotionnel, le retrait intérieur et l’ambiguïté des ressentis avec une sincérité désarmante. Air Quotes creuse la faille entre perception et réalité, pour mieux révéler la charge invisible que porte chacun.

Avec Air Quotes, le duo construit une chanson d’apparence légère mais profondément troublée, où les émotions sont à fleur de peau. L’artiste y laisse affleurer un mal diffus, une détresse retenue derrière des parenthèses feintes, jusqu’à ce que le cœur déborde.

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Les influences d’Air Quotes et l’origine de cette introspection

Projet atypique, Air Quotes réunit Michelle Cohen et Mattan Cohen, tous deux compositeurs pour le cinéma. Leur approche sonore évoque une narration intérieure : chaque chanson semble être la bande-son d’un état d’âme. Ici, la production mêle éclats de pop alternative et tension orchestrale, comme un battement de cœur désynchronisé. Pour Air Quotes, le sentiment d’isolement est abordé avec lucidité. Leur parcours artistique, entre l’harmonie des arrangements et la complexité émotionnelle des partitions, transparaît dans cette chanson à la fois cérébrale et viscérale. On retrouve une parenté avec des artistes comme Sufjan Stevens ou Phoebe Bridgers, mais avec un ancrage plus narratif, presque filmique.

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Le duo met en scène une lutte intérieure où le silence et les paroles en creux prennent toute la place. À travers l’image du “petit tragédien” qui nous suit partout, l’auditeur ressent cette voix critique omniprésente, tiraillant le protagoniste de l’intérieur. Ce personnage invisible symbolise la spirale mentale de celui qui doute, se déprécie, et finit par se retirer. Les paroles distillent cette impression d’étrangeté à soi-même, comme si l’on assistait à sa propre chute, sans pouvoir agir. Le refrain, faussement simple, est une révélation douce-amère : ce n’est pas ce qui est dit qui blesse, mais ce que l’on comprend derrière les mots. La chanson joue avec cette ambiguïté, entre ce qui est montré et ce qui est tu.

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En soi, ici l’introspection est à prendre comme révélation, et non comme solution. Les émotions ne mènent pas à une rédemption, mais à une conscience brutale. Le pont, murmuré comme un poison lent, lâche le verdict sans appel : “Tu devrais être seul, tu veux être seul…”. Ce n’est plus une prière ou un appel à l’aide, mais un diagnostic froid. Pourtant, l’artiste ne tombe pas dans le désespoir théâtral. Tout est retenu, maîtrisé, et c’est dans cette retenue que la douleur s’impose. Le choix d’un vocabulaire presque clinique renforce la distance entre le sujet et ses propres affects. L’image de “l’herbe visible à travers les pieds” traduit à merveille ce sentiment de transparence, comme si exister ne suffisait plus. La chanson se referme sans résolution, mais avec une lucidité plus vive : parfois, il n’y a rien à faire, sinon accueillir ce qu’on ressent.

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