Dans Alchemy, Iris Caltwait signe une ballade électro-pop mélancolique, entre lucidité crue et tendresse désarmée. Elle évoque sans pathos la douleur et la résilience, en invitant à aimer sans filtre, même quand le cœur n’en peut plus. Une révélation douce-amère.

Un appel à vivre avec le cœur cabossé

Dans Alchemy (Living Is Not For The Heart), Iris Caltwait ne cherche ni la consolation facile, ni les grandes envolées tragiques. Elle avance à pas feutrés sur la ligne de faille qui sépare le repli du réveil. La chanson s’impose comme un aveu sans détour : il ne suffit pas de dire que l’on va mieux pour que cela soit vrai. À travers des images qui flirtent avec la technologie (« upgrade your hardware ») et l’alchimie intime (« turn my tears to gold »), elle transforme les douleurs anciennes en révélateurs. La chanson devient un creuset où brûlent les contradictions : vouloir lâcher prise tout en s’accrochant, aimer à en perdre pied mais espérer que l’autre tienne bon. Dans ce tumulte, Iris chante le besoin urgent de ne pas abandonner, malgré l’usure, malgré le chaos intérieur.

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Iris Caltwait, une voix forgée dans la perte et la lumière

Depuis Love and Other Disasters en 2021, Iris Caltwait a traversé des transformations intimes majeures. Perte, deuil amoureux, remises en question : autant de secousses qu’elle canalise dans son second album Again, For The First Time, coréalisé avec Askjell Solstrand. Avec ce nouveau chapitre, elle explore un entre-deux bouleversant, mêlant fragilité et force retrouvée. L’influence de la scène nordique se fait sentir dans les textures flottantes, mais c’est bien l’écriture frontale et poétique de l’artiste qui frappe. La sincérité n’est jamais déclamée, elle affleure dans chaque phrase. Loin d’être une complainte, Alchemy est une leçon d’abandon maîtrisé. Iris y déploie une émotion trouble, qui avance masquée jusqu’à l’instant de bascule : celui où l’on comprend qu’aimer ne suffit pas, mais que cela reste la seule chose qui vaille.

Alchemy propose une vision presque clinique du mal d’aimer: Une esthétique du paradoxe où aimer, même si ça fait mal, tout en conservant une grâce sensible. Ce contraste nourrit la force du morceau. Iris Caltwait joue sur des oppositions : le cœur et la machine, la chute et l’envol, le désespoir et l’alchimie. Elle ne cherche pas à panser, mais à montrer la beauté dans l’échec, l’humanité dans l’erreur. C’est ce regard qui rend la chanson si singulière. Loin des discours de résilience héroïque, elle offre une vérité plus nue : « no one will save us », répète-t-elle, et pourtant elle continue d’aimer. Dans cette insistance, une forme de courage surgit. Les paroles disent l’effondrement, mais aussi la puissance discrète d’un amour lucide, celui qui accepte de ne pas réparer, juste de ressentir. Une chanson précieuse, suspendue entre deux mondes.

Ici, les émotions ne sont jamais figées. Elles fluctuent, s’entrechoquent, se superposent comme les couches d’un rêve éveillé. L’artiste ne livre pas un message, elle propose un voyage intérieur. Tout dans ses paroles évoque ce basculement subtil où l’on cesse de fuir pour accueillir. Ce n’est ni une rupture ni une guérison, mais un entre-deux fragile, où se cristallise une prise de conscience : il faut aimer sans garantie, vivre même quand cela semble contre-nature. L’image de l’alchimie devient alors un miroir : transformer le plomb du chagrin en éclats d’or, sans promettre que la douleur disparaisse. Dans cette zone trouble, la chanson ouvre un espace rare, où la vulnérabilité devient puissance, et où l’aveu d’impuissance devient un acte d’amour.

L’une des surprises vient du choix esthétique en cours de morceau. Alchemy s’ouvre sur une douceur indie pop séduisante, portée par une voix fragile et une instrumentation minimale qui touche par sa sincérité. Mais à mi-parcours, une envolée électro-moderne prend le dessus, presque sans transition, rompant le charme initial. Si l’on devine que cette direction artistique s’inscrit dans une logique plus large au sein de l’univers sonore d’Iris Caltwait, elle peut désarçonner un auditeur non averti. Le contraste n’est pas dénué d’intérêt, mais il crée une distance là où l’on attendait une montée en émotion. Ce choix, qui aurait pu amplifier le trouble ou l’intensité, semble ici affaiblir l’impact de la chanson. Pour un premier contact avec son œuvre, ce virage pourrait déconcerter plus qu’émouvoir.

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Un clip à la photographie cinématographique

Le clip réalisé par Aubrey Joyce frappe par son esthétique léchée, entre film indépendant européen et cinéma d’auteur asiatique. Tourné à Tokyo, il sublime les rues, les visages et les silences à travers une lumière maîtrisée et une composition soignée. La photographie signée Azariah Bjørvig confère à chaque plan une densité émotionnelle rare. Le projet réunit également Aime Okamoto à la production, Kristin Skar Forseth à la coordination, Lisa Julia Flick pour le maquillage et Kai Sophie Roelver au stylisme. Un travail d’équipe précis, presque chorégraphié, qui renforce la poésie visuelle du morceau.

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