Alas de Liona, artiste américaine basée à Édimbourg, façonne un univers indie-pop envoûtant, empreint de poésie et d’introspection. Son album Gravity of Gold, salué par la critique, culmine avec The Alchemist’s Son, une ballade délicate et émotive explorant la quête d’un rêve et ses sacrifices.

Son clip, tourné au château de Ferniehirst en Ecosse, ancre visuellement son esthétique entre mystère et histoire. Entre mélancolie aérienne et envolées lumineuses, elle s’impose comme une voix singulière, évoquant la richesse émotionnelle de Kate Bush ou la finesse d’Emeli Sandé. On espère découvrir encore plus de cette artiste avec ses nouveaux titres qui sortiront courant de l’année.

​Le saviez-vous ? Le château de Ferniehirst est associé à des récits de hantise, notamment celui d’une apparition surnommée la « Dame Verte« . Cependant, le conservateur du château, Bob Lawson, a déclaré que cette histoire est purement fictive. Ainsi, bien que des légendes locales existent, il n’existe pas de preuves concrètes confirmant que le château soit réellement hanté.​

De quoi parle la chanson ?

La chanson The Alchemist’s Son d’Alas de Liona tisse une atmosphère introspective et mélancolique à travers des images poétiques et symboliques. Elle joue sur l’opposition entre mouvement et immobilité, traduisant un sentiment de décalage avec le monde. L’artiste évoque une quête intérieure, une attente suspendue entre espoir et résignation. L’idée de transformation, propre à l’alchimie, reflète une lutte entre ce qui est et ce qui pourrait être, entre le rêve et la réalité. La figure de l’Undine, associée aux eaux et aux émotions profondes, renforce ce sentiment de nostalgie et d’inaccessibilité.

L’intensité de la chanson réside dans sa capacité à traduire la douleur et la solitude à travers des contrastes forts : la lune et la terre, le ciel et le puits, l’immobilité et le tourbillon du monde. Cette opposition renforce un sentiment d’isolement et d’impuissance face à un temps qui s’accélère, tandis que le protagoniste demeure figé. La musique et les paroles évoquent une errance émotionnelle où le désir de transcendance se heurte à l’angoisse du présent. Ce mélange de poésie et de souffrance donne une profondeur unique à la chanson, soulignant la difficulté d’exister pleinement dans un monde en perpétuel changement. Une chanson romantique comme à l’époque de Baudelaire, pas celle d’aujourd’hui !