Le premier long-métrage de Meryam Joobeur, La Source, est une œuvre cinématographique d’une intensité rare, qui plonge dans les thématiques de la mélancolie et du dilemme moral. Avec une maîtrise visuelle et narrative saisissante, la réalisatrice explore les méandres de l’amour familial confronté à la radicalisation. Peut-on tout pardonner ? Comment aimer malgré le Mal et la Guerre ?

Attention au public sensible : Le film contient des scènes de violence, avec beaucoup de scènes symboliques. Cet article n’est qu’un point de vue essayant d’analyser les pistes le plus objectivement.
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Une esthétique très marquée

Le film se distingue par un langage visuel immersif, marqué par des cadrages serrés et des paysages naturels. Les plages et les eaux tunisiennes deviennent des personnages à part entière, reflétant la tension et le mal-être qui règnent au sein de la famille d’Aïcha, une mère dévastée par le départ de ses fils pour le djihad. Cette harmonie entre les éléments naturels et les émotions humaines souligne la sensation de déracinement.

La réalisatrice mêle avec habileté réalisme et onirisme : les scènes oniriques – baignades nocturnes, dunes mouvantes sous un ciel étoilé – traduisent les tourments intérieurs des personnages. Cette alliance entre le tangible et le symbolique crée une atmosphère d’une intensité troublante.

Les éléments naturels deviennent les points d’ancrage dans le réel. L’eau et le vent jouent un rôle clé pour rendre visible l’invisible, mêlant concret et onirisme. L’eau, omniprésente, reflète les émotions des personnages et symbolise la fluidité et l’instabilité psychologique face à la radicalisation. Les scènes près de l’eau deviennent des moments d’introspection, où le reflet agit comme un miroir métaphorique. Le vent, souffle du destin, incarne les forces invisibles qui influencent les protagonistes, amplifiant tension et mystère. Ces éléments, symboles de purification et transformation, enrichissent la profondeur poétique et métaphorique du récit

Une lumière métaphorique et une réflexion universelle

Le jeu de lumières et d’ombres est central dans la narration. Les scènes extérieures lumineuses contrastent avec l’intériorité sombre et étouffante de la maison familiale, reflétant les conflits internes des personnages. La lumière dorée qui entoure Adam, le plus jeune des fils, symbolise une possible rédemption ou un espoir intact dans un contexte de désillusion.

Ses scènes, baignées d’une lumière douce et chaleureuse, symbolisent l’innocence et la pureté de l’enfance. Les moments de joie et d’insouciance qu’il vit, filmés dans une lumière dorée, tranchent avec l’atmosphère sombre qui enveloppe les adultes, soulignant ainsi la capacité de la jeunesse à préserver une certaine légèreté face à des circonstances difficiles. Il est le symbole de la vie et du possible, face à lui cet oncle meurtri, qui est l’opposition totale de son innocence.

La réalisatrice joue également sur la notion de révélation et de dissimulation à travers la lumière. Certaines scènes clés sont filmées à l’aube ou au crépuscule, dans cette lumière incertaine qui brouille les contours et rend les choses moins définies. Cette approche visuelle reflète la difficulté des personnages à discerner clairement le bien du mal, l’amour de la trahison. Et quand nous ne sommes pas dans ce monde, il y a un royaume onirique qui prend le pas sur la réalité. Ce monde est peuplé de symboles forts et intenses, venant troubler le cours du récit, comme pour révéler ce qui ne peut être dit par des mots ou des silences.

En explorant des thèmes universels tels que l’amour, la culpabilité et la perte, Meryam Joobeur offre un récit à la fois intime et profondément humain. La Source n’apporte pas de réponse facile, mais invite à une réflexion sur les dilemmes moraux liés à l’amour familial face aux actes incompréhensibles. On plonge dans les cicatrices de l’âme, du cœur et du corps.

Une immersion dans les cicatrices de l’inhumain

Meryam Joobeur explore les fractures laissées par la radicalisation djihadiste, à travers des personnages hantés par une « double mort ». Les revenants de la guerre, physiquement présents, mais psychologiquement détruits, sont incapables de réintégrer leur place dans une société qui les rejette. Cette condition trouve son apogée dans le personnage de Reem, une femme voilée et silencieuse, dont l’apparence spectrale traduit une existence suspendue entre la vie et la mort. Son mutisme devient un puissant symbole : celui du poids écrasant de l’endoctrinement. Dans des scènes marquées par le silence oppressant, Reem incarne un traumatisme collectif, donnant à voir l’horreur de ce que signifie être déshumanisé, réduit à n’être qu’une ombre.

Reem, la femme fantomatique

L’arrivée de Mehdi, l’un des fils, avec une fiancée voilée nommée Reem, cristallise le malaise familial. Silencieuse et voilée, incarnation de cette « double mort »– celle de son passé marqué par l’endoctrinement, et celle de son incapacité à reprendre une vie normale –. Elle est une présence fantomatique, à la fois réelle et métaphorique, représentant l’oppression et les blessures indélébiles laissées par le terrorisme. Lorsque l’on part, on ne peut jamais vraiment revenir. Et ce film arrive à capturer l’impuissance et le ressentiment à travers les silences et les regards. La réalisatrice traduit avec une subtilité poignante la difficulté des personnages à exprimer leurs émotions face à l’inconcevable. Ces moments de non-dit renforcent l’ambiguïté morale du film : peut-on encore aimer un proche devenu un étranger, un « revenant » ?

Si les revenants portent le fardeau de leurs choix, les proches subissent également une transformation brutale. Aïcha, la mère, incarne cette tension entre l’amour inconditionnel et le rejet viscéral des actes de ses fils. Le film interroge : peut-on encore aimer un proche devenu terroriste ? À travers des regards fuyants, des gestes hésitants et une douleur qui imprègne chaque échange, Meryam Joobeur capture l’ambivalence des relations humaines confrontées à l’inhumain. Aïcha ne peut réconcilier son rôle maternel avec l’ampleur des crimes, mais elle ne renonce pas à chercher des fragments d’humanité dans ses enfants. Ce dilemme, universel dans sa portée, invite les spectateurs à s’interroger sur leurs propres limites émotionnelles et morales : l’amour peut-il vraiment tout pardonner ?

Le film, cependant, ne s’arrête pas au regard des proches et plonge aussi dans la psyché des revenants eux-mêmes. Mehdi, le fils revenu, est un homme fracturé : tiraillé entre culpabilité, ressentiment et impossibilité de reconstruire une identité cohérente après l’horreur. Ses silences, amplifiés par des jeux de lumière et des plans serrés, traduisent une tension intérieure insoutenable. À travers son parcours, la cinéaste dépasse le cadre familial pour questionner les responsabilités sociétales. Comment réintégrer ces individus marqués par la violence, sans minimiser leurs actes ni oublier les victimes ? En refusant toute caricature ou réponse simpliste, le film ouvre un espace de réflexion sur les cicatrices profondes laissées par l’extrémisme, sur l’individu comme sur la collectivité.

Une ode à la complexité des émotions humaines, portée par une mise en scène d’une beauté rare. Meryam Joobeur signe un premier long-métrage marquant et mystérieux.

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1 janvier 2025 en salle | 1h 58min | Drame
De Meryam Joobeur | 
Par Meryam Joobeur
Avec Salha Nasraoui, Mohamed Grayaa, Malek Mechergui
Titre original Mé el Aïn