Russian Baths est composé de Jess Rees, Luke Koz, et Kyle Garvey. Avec l’EP Mirror, il fusionne post-punk, shoegaze et goth dans des paysages sonores sombres et envoûtants. Inspiré par la scène new-yorkaise, il marie textures électroniques modernes à des influences classiques. L’album est composé de 11 titres oscillant entre mélodies mélancoliques et bruitages, reflétant l’essence urbaine brute et mystérieuse du groupe.

Vision (Dexedrine) – Sous le voile de la réalité

On a beaucoup aimé cette atmosphère qui donne envie de se vider le cœur et l’esprit. L’album s’ouvre avec une voix féminine apporte ce côté presque onirique et fantomatique.

Vision (Dexedrine) fait référence à la capacité de voir au-delà de la réalité, comme si on était sous l’influence d’une substance stimulant la perception, en l’occurrence le Dexedrine, un médicament utilisé pour augmenter l’attention. Le mot « vision » quant à lui évoque à la fois la clarté et la confusion, suggérant un état d’éveil intense, mais peut-être aussi une distorsion de la réalité. L’idée d’une « vision » cryptique souligne la complexité de voir des vérités cachées, amplifiées ou distordues par cette substance. Une explication assez compliquée, mais notre vie n’est qu’une suite de perdition et de recherche de sens. Au cœur de cette chanson, on peut décrypter beaucoup d’émotions qui émergent sous cette brume de confusion.

La peur et la tristesse illustrent un combat intérieur. Dans l’ensemble, cette chanson reflète une introspection sombre, où la perception est altérée par le Dexedrine, créant un sentiment d’inquiétude face à la vérité. On a beaucoup pensé à ces artistes qui alternent des phases d’éveil et de sédation, expliquant que la médecine éteindrait leur talent, leur source d’inspiration.

Split – la dualité et l’extase | la perdition et se noyer dans nos propres démons.

Avec le second titre Split, on a beaucoup pensé à l’ambiance du groupe LYS. L’ambiance très spleenienne et la noirceur de la production nous poussent dans un état presque d’extase. On explore ici l’idée d’une connexion intense, quasiment obsessionnelle. En étant coupé en deux, on subit le conflit interne d’un être qui se sent déchirée entre son propre être et une relation qui l’envahit. On ressent également une forme d’obsession, comme si on vivait dans une boucle infernanle, noyé dans les émotions asymétriques.

La répétition de « When you move, I move, too » renforce cette idée de mimétisme, suggérant un manque d’autonomie. L’ambiance est sombre et troublante, transmettant des émotions de possession, de perte de contrôle et d’attachement destructeur, créant un sentiment d’étouffement et de captivité.

Ce sentiment étrange de vide, de vertige que l’on peut ressentir dans la production de Split se retrouve dans le titre suivant Bind. Un son plus rock, plus indie Garage. Le titre évoque l’idée de l’attachement ou d’un lien, suggérant un sentiment d’emprisonnement ou de dépendance.

Ce mot Bind est à la fois simple et puissant, il renforce l’idée d’être lié, peut-être à une personne, une émotion, ou une situation, incapable de s’en libérer. Tout comme le titre précédant, on a une lutte intérieure et une imagerie de la chute, des émotions qui nous plaquent allant jusqu’à la perte de contrôle. On se retrouve submergé dans ce grand cataclysme d’émotion, à nager avec nos propres démons.

Purgatory – un mélange de deux voix, mais un moment de grâce.

Le titre évoque un état intermédiaire, un espace entre deux mondes, suggérant une lutte intérieure ou un moment d’incertitude. Il renvoie à l’idée d’un passage difficile, comme un voyage à travers l’eau ou les émotions.

La chanson explore des thèmes tels que la perte, la confusion et la recherche de soi. Les paroles reflètent des émotions d’angoisse et de désorientation, évoquant un sentiment d’être submergé, en quête d’un sens ou d’une échappatoire.

On a beaucoup aimé la production, l’ambiance très hypnotique avec ce mélange des deux voix masculine et féminine. Cependant, le titre avec sa durée de 3 minute 22 semble interminable, peut-être pour illustrer le sentiment d’enfermement du protagoniste.

Secret Keys, on survole jusqu’à la 8e piste de l’album

On a été un peu dérouté par Hunger et Chlorine. On est arrivé cependant sur la piste 8 avec l’impression de découvrir un aspect plus cinématographique, presque Tarantino du groupe ! La chanson symbolise des vérités cachées ou des aspects de soi que l’on préfère taire. Le titre évoque des pensées et sentiments gardés sous silence, des « clés secrètes » qui ouvrent des portes vers des réalités intérieures souvent dissimulées.

Les thèmes de la peur, du doute et de la recherche de soi sont présents, créant une atmosphère d’introspection. Les émotions oscillent entre la vulnérabilité et l’apaisement, reflétant un voyage intérieur complexe. Avec ces enchainements de notes de guitares à la Tarantino, on a l’impression de ressentir cette chute dans l’inconscient du héros.

Pair ou la désillusion d’un amour fusionnel devant obsessionnel

Avec Pair, on poursuit ce voyage. Le titre suggère un lien profond entre deux personnes, évoquant l’idée de deux êtres inséparables ou unis, peut-être même dans un sens obsessionnel. Le mot pair touve tout son sens quand on comprend le thème de la possession, d’obsession et de la peur de perdre l’autre. L’émotion qui en ressort est sombre et troublante, mêlant amour et angoisse, reflétant le désir de garder l’autre à tout prix, même de manière déformée ou malsaine. Ce n’est pas une chanson d’amour, mais une chanson sur le désir de possession et le désir malsain.

En écoutant les paroles de Pair et ce passage introduisant la chanson « I will take your face And graft it to Another body So I can have you always », cela nous a beaucoup fait penser à KYO leur titre Je te vends mon âme.

En effet, cette comparaison est devenue évidente quand il est dit «Prends ma vie et mon paysage, en échange, je veux voler ton visage. » La chanson d’un amour perdu, où l’on finit par se noyer dans le manque et l’extrême. « Je te vends mon âme, fais de moi ce que tu veux, en retour donne-moi la chance d’être mieux. »

Confess, la fin explosif de l’album

L’album se clôture avec ce titre rock. La chanson évoque un besoin de révélation ou de libération. Le titre suggère un acte de confession, d’admission d’une vérité sombre ou cachée, renforçant l’idée de faire face à ses démons ou ses erreurs. Au delà des guitares saturées et du solo venant vers 3:40, on saluera également la manière dont le groupe a mis en avant les thèmes de la culpabilité, le regret et la lutte intérieure. L’atmosphère sombre et les paroles décrivent un sentiment d’oppression, de peur et de chasse. L’émotion qui ressort est une tension entre la volonté de se confesser et la douleur de faire face à ses actions passées.

Dans l’ensemble, cette chanson illustre parfaitement cet album, un enchainement d’émotions fortes et plus douces. Un peu comme les aléas de notre existence rarement rectiligne ! Russian Baths nous rappelle combien la vie n’est pas toute noire ou toute blanche, mais un ensemble de nuances de gris.

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